Общение

Сейчас 546 гостей и ни одного зарегистрированного пользователя на сайте

Наша кнопка

Если Вам понравился наш ресурс, Вы можете разместить нашу кнопку на своём сайте или в блоге.
html-код кнопки:

 


             

   


 

Уважаемые театралы! Наш сайт существует благодаря энтузиазму его создателей. В последнее время средств на оплату хостинга, даже с рекламой, стало не хватать. Поэтому просим всех неравнодушных посетителей воспользоваться формой поддержки, которая расположена ниже. Это помогло бы ресурсу выжить и избавиться от рекламы. На форме есть три способа платежа: с банковской карты, с баланса мобильного, из Яндекс-кошелька. Сумму перевода можно менять. СПАСИБО!

Апдейт: Друзья, благодаря вашей финансовой помощи удалось полностью очистить сайт от рекламы! Всем СПАСИБО! Надеемся, что ваша поддержка и впредь поможет содержать сайт в чистоте, не прибегая к вынужденному засорению его "жёлтым" мусором.

 

ПОСЛЕСЛОВИЕ

История русского театра от его истоков и почти до сегодняшнего дня писалась неоднократно. Но это была история драматического, оперного или балетного театра. Автор этой книги, Алексей Григорьевич Моров, рассказывает юным читателям обо всех трех театральных направлениях, о их взаимовлияниях и взаимообогащениях. Это дает возможность с особенной ясностью понять, как менялись, под воздействием определенных общественных систем, художественные направления, как постепенно, но со все большей активностью утверждался в русском театре реализм.
В России правящие классы и правительство постоянно стремились подчинить театр своему влиянию, заставить его служить своим интересам. Но в то же время русский театр на протяжении всей своей истории испытывал значительные революционно-демократические воздействия. Это определялось и составом зрительного зала, и тем, что театральными критиками были многие представители прогрессивной мысли. В. Г. Белинский — самый убедительный тому пример. В пролетарский же период освободительного движения с обзорами театральных событий выступали критики-большевики: А. В. Луначарский, С. М. Киров, С. Г. Шаумян, М. С. Ольминский и другие.
Нельзя также не учитывать, что подавляющее большинство артистов выходило из демократических слоев общества и в большой степени на себе испытывало все то дурное, что имелось в самодержавно-полицейском и сословном государстве: цензурные ограничения, власть чиновника-самодура или кулака-антрепренёра, презрение представителей господствующих классов к трудовой интеллигенции, в том числе и к актерам. И это, естественно, встречало решительное сопротивление, прежде всего со стороны передовых и талантливых художников.
В послесловии хочется поставить и такой, кажется, существенный вопрос: а не устарел ли сегодня, в пору расцвета кинематографа, радио и телевидения, — театр? Может быть, выполнив свою великую историческую роль, теперь он уступает место технически более оснащенным искусствам? Такая точка зрения существует.
Но есть у театра великое достоинство. Присутствуя на спектакле, мы видим, как каждый раз актер заново творит роль, а значит — жизнь того героя, которого он изображает на сцене. (Конечно, если это талантливый актер, а не ремесленник, механически повторяющий одно и то же из спектакля в спектакль.) Обычно мы видим результат творчества художника, процесс же создания произведений искусства остается за пределами наших наблюдений. И лишь театральный актер не только заранее подготовляет произведение, но и продолжает творить его на глазах у зрителей.
Каждое искусство стремится к эмоциональному воздействию на воспринимающих его, добивается от них сопереживания. Но только в театре это сопереживание связано с живыми людьми, с теми, кто действует на сцене.
Наибольший успех у зрителей имеют те театры и спектакли, которые можно определить как современные. Современные не обязательно в смысле времени действия в спектакле. Гораздо важнее современный подход к решению различных проблем жизни общества и человека.
Сегодня, особенно в буржуазных странах, драматурги и режиссеры часто прибегают к различным экстравагантным приемам, забывая о подлинно новом содержании. Но в этом случае спектакль, как правило, не имеет успеха. Новаторство хорошо только в том случае, если оно помогает глубже, тоньше понять содержание, рассматривая его с прогрессивных позиций. Вся история и русского и мирового театра служит тому доказательством. Спектакль должен поднимать, обсуждать, решать важнейшие проблемы современности и истории. Характерно, что зрителя, особенно современного, заинтересовывает не только увлекательный сюжет, но в первую очередь глубокие философские проблемы, в спектаклях заключенные. Не случайно пьесы Шекспира на протяжении столетий волновали и продолжают волновать зрителей.
За свою тысячелетнюю историю искусство сценической игры претерпело значительную эволюцию. В Древней Греции актеры играли, стоя на котурнах, надев на лица маски, и усиливали звук при помощи специальных приспособлений. Иначе было невозможно, так как спектакли происходили под открытым небом и их смотрели тысячи граждан. С тех пор многое изменилось. Театры переселились в помещения и спектакли приобрели по большей части качества камерных зрелищ. Но, как и прежде, актеры переводят драму — литературное произведение — в форму сценического искусства, преображаясь в сценические персонажи. А. Н. Островский говорил: драматург берет драму из жизни — актер возвращает ее в жизнь.
Самое простое, что может сделать актер, — это поставить себя в предлагаемые обстоятельства. То есть начать жить так, как жил бы он, если бы оказался в условиях, предложенных драматургом. Конечно, и это требует дарования и мастерства. Но подлинно талантливый актер перевоплощается в того, кого он изображает на сцене. Так, Н. П. Хмелёв, играя в Художественном театре роль Каренина в инсценировке по роману Толстого, создал образ холодного и самоуверенного чиновника, которому недоступно сострадание к другим. И вплоть до внешности, до манеры держать себя с разными людьми, до оттопыренных ушей и хрустящих пальцев — это был подлинный Каренин, каким он нарисован Л. Н. Толстым. 
Сила художника, в том числе драматурга и актера, в первую очередь заключается в том, что создаваемые им характеры соединяют в себе типическое с индивидуальным, что они конкретны и в то же время содержат глубокое обобщение.
Даровитый актер иногда может в одном слове раскрыть самое существо характера изображаемого персонажа.
Искусству артиста в высшей степени присуще органическое слияние индивидуального, личностного с обобщенным, типическим. И главное в этом искусстве — именно умение внутренне и внешне перевоплотиться в образ. Поэтому такое значение имеет для артистов «система», созданная К. С. Станиславским. Она призвана помочь актерам создавать образы, в которых средствами сценического искусства воплощалось бы глубокое жизненное содержание. Сам Станиславский считал, что целью разработанного им метода является раскрытие жизни человеческого духа.
Настоящий мастер прежде всего умеет накапливать жизненные наблюдения и по-своему их истолковывать. Рассказывают, что в квартире у Мейерхольда находились целые шкафы, наполненные материалами по предполагаемым постановкам «Пиковой дамы», «Маскарада». Подводя своих учеников к этим хранилищам, он говорил: «Вот видишь, что значит давать новое прочтение классики!»
В книге А. Г. Морова, которую юный читатель прочел — хочется верить — с пользой и с удовольствием, рассказано о русском театре с его зарождения и до Великого Октября. Этот театр в своих лучших образцах подготовил утверждение и развитие советского театра — театра социалистического реализма, обращенного к самым широким народным массам. Не случайно в нашей стране действует свыше пятисот одних только профессиональных театров, а играют они на сорока пяти языках.

Ю. А. ДМИТРИЕВ, доктор искусствоведения

"Драматешка" - детские пьесы, музыка, театральные шумы, видеоуроки, методическая литература  и многое другое для постановки детских спектаклей.
Авторские права принадлежат авторам произведений. Наш email: dramateshka gmail.com

Яндекс.Метрика Индекс цитирования